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2016年年末,每日迎着刺目的朝阳,暴走在曼哈顿、皇后、布鲁克林、切尔西区的街头,我用双眼丈量纽约这座城市.
在纽约,几乎每时每刻都能激发观看的冲动,因为“图画无处不在”1（Pictures are all around us） ,它们和言语一样（有时还先于言语）,让我思考、梦想,领悟这座城市和身处其中的人们.那些原本作为纸上艺术的图和像早已走下展墙,在现实空间中搭建起一个个场域特定的剧场,艺术家利用他们超越自我和世界的边界,探索风格和媒介的无限可能,表达独立而鲜明的立场和态度；和此同时,这些“图画”也反映出经济和政治的文化需求,它们的表现内容和形式和纽约的社会生态发生着密切关系,在传播方式上也早已超越了传统视觉艺术的形态和结构,作品的创作和解读都愈发强调社会和公众的意义.
以摄影为例,透过纽约的博物馆、美术馆、基金会、画廊,其以美国现代摄影和当代艺术发展的斐然成就为基石,在跨文化、跨媒介语境的驱动下早已突破“纸上作品”（works on paper）的束缚成为美国文化面向全世界高速传播和高度渗透的利器之一,这从侧面也印证了二战后的纽约已逐渐成为全球文化碰撞的平台和艺术交锋的中心.不仅如此,摄影也是纽约当代艺术发展的重要生产力,并无疑是当代艺术市场的宠儿.
展墙之下,观看之上
力求突破静态影像呈现局限性的摄影创作和展示已不满足仅仅停留于“保持距离的观看”,那种诸如绘画一般精致装裱、高悬展墙并需要人们在特定距离驻足观看的“图画”（picture）已远不能实现今时今日的艺术家意图搭建的话语空间,以“如何让更多人同时参和分享同一件作品”为出发点,艺术家、作品、空间、观众彼此之间在这个时代有着特殊的互动模式.以MoMA（纽约现代艺术博物馆）为例,跨越2016-2017的展览南·戈尔丁（Nan Goldin）的《性依赖叙事曲》（The Ballad of Sexual Dependency）全面回顾了她这个系列自1979年至1996年間拍摄的近700幅快照肖像,这些照片伴随着令人回味的音乐剧《三毛钱歌剧》（The Threepenny Opera）的原生音轨,以幻灯片的形式依次呈现南·戈尔丁深刻的个人叙事,故事源自艺术家于20世纪70年代末至80年代乃至后来在波士顿、纽约、柏林等地的亲身经历.《性依赖叙事曲》最早于1978年在纽约下城的俱乐部和酒吧展出,1985年在惠特尼美术馆展出,后来戈尔丁继续丰富图像并配以音乐.此次展出的《叙事曲》,还会伴有现场表演.戈尔丁的影像《叙事曲》从贝托尔特·布莱希特（Bertolt Brecht）和库尔特·威尔 （Kurt Weill）的音乐中寻求灵感,其本身就是一首都市歌剧,其中的主角在爱和失去的私密时刻被抓拍下来,当然也包括摄影师自己.“《性依赖叙事曲》是一部我的个人日记,我希望人们去读它”.戈尔丁写道,“它是我控制我生活的手段.它促使我痴迷地记录下每一处细节.它使我铭记.”展览现场,戈尔丁以手动播放幻灯片配合朋友们预先准备好的背景音乐向观众即兴演义着《叙事曲》中的故事,其中的画面被全部以35毫米胶片原始规格等比放大进行放映.这种带有“公共艺术表演”（pub art show）形式的展示方式让“摄影展”彻底从镜框和悄无声息中被解放出来.在此,讲故事的人、听故事的人以及故事中的主人公成为一个混合物,故事靠这个“混合物”并使用它自己的声音诉说,沉浸其中的我们既是看客、听众,也是当事人,在抱以怀疑期待未知情节的同时,体验式的语境中已让生命充盈神秘,丰满智慧.它告诉我们：用图像讲故事,①艺术家是叙事者；②观看先于言语；③摄影不只是“照片”.根据其绘画和图片部（Department of Drawings and Prints）策展人Sarah Suzuki介绍,MoMA对纸上作品（works on paper）的*始于1890年,一直以来,其对待这些作品的展示方式都较为重视内容的“纯粹研究”,即立足展品本身,当然这期间还要充分调度展览&*、教育&研究各部门间的高度配合.鉴于其展览关注艺术家不同类型的作品于同一空间内的整体呈现,因此也就比较注重基于照片所搭建的平等的艺术对话空间.MoMA力图通过体验性的观展环境增进观众对展品的了解.
MoMA PS1,是纽约现代艺术博物馆坐落在长岛区的分馆,和曼哈顿中区的总部隔伊斯特河遥相呼应,那里是一个更具张力的当代艺术引擎,近期于2016年10月至2017年3月在展英国艺术家马克·莱基（Mark Leckey）的展览“贮存及驱动”（Containers and Their Drivers）,是首个在美国展示英国先锋艺术家的综合性展览,聚集影像视频、声音艺术、雕塑装置、人工智能等多种极具实验性的艺术形态,探讨技术对流行文化造成的根本冲击,以及这种冲击又是如何伴随数码文化而转型并剧烈影响年轻一代艺术家的.“技术因素—从手段到观念,都正在改写着艺术的‘基因’,以影像为媒介的艺术创作本身就是脱胎于技术革命的艺术形式,无疑具有和技术共同‘进化’的特点”2,在此,莱基结合颇具个人化和时髦性的主题,整合利用艺术媒介捕捉到他人生中和技术和文化相关的重要时刻.这些“时刻”,随带着事件、人物、情感,从互联网、电视、报纸、广告等大众传播渠道中倾泻到展览现场,而置身其中的观众,眼见和耳听被碎片化的信息拦截,颠倒和突兀的物质变化规律仿佛又会随时把你抛向外太空.强调公众的体验性和参和度,让观众重新思考并定位视觉艺术的观展经验,已成为目前纽约美术馆经营视觉艺术的一大策略.
艺术 和身体政治
艺术是全人类的共同需要,而身体在当代艺术中被赋予极强的社会属性和政治含义.惠特尼美术馆（HYPERLINK "http：// whitney.org/"Whitney Museum of American Art）自2016年4月开始推出长达10个月的大秀—“人类兴趣：惠特尼的馆藏肖像”（Human Interest： Portraits from the Whitney’s Collection）.这场非凡的“肖像展”囊括了包含绘画、摄影、视频、雕塑等多种视觉艺术样式,将 身体（Body Bared）、假面（Making Faces）、名望的代价（Price of Fame）、自我的觉醒（Self-Conscious）、制度的肌体（Institutional Complex）、大象无形（Portraits Without People）、艺术家画像（Portrait of the Artist）、明星梦（Starstruck）、纽约面孔（New York Portrait）、破碎的镜子（Cracked Mirror）、街头众生（Street Life）11个单元分布在美术馆的第六、第七两层展示,展出近200幅自1900年代至今的“人类肖像”.这场展览为一个最古老的艺术体裁提供了新视角,依附于惠特尼的馆藏作品,立足于广袤的艺术视野和多元的展陈媒介,将经典杰作和鲜为人知的和新近发现的作品融为一体,横跨20世纪和21世纪构建过去和现在间的隧道,这种链接也体现出肖像艺术的重要功能：为个人扬名或思念亲人.肖像艺术是惠特尼美术馆藏品中最丰富的矿脉之一,体现了创始人格特鲁德·范德比尔特·惠特尼（Gertrude Vanderbilt Whitney）长期致力的具象传统.然而此次展览包括的作品却提倡多样性并不时采用非常规的方式表现个体人物.许多艺术家重新思考对外形的追求—肖像艺术追求的常规目标,用形式或概念进行探索亦或完全摒弃它们.他们有些陶醉在题材的迷人魅力中,有些则批评这些题材的精英化趣味,呼吁关注平庸甚至是怪诞.肖像,作为曾经稀有的奢侈品,如今无所不在,它们越来越易于复制和垂手可得.摄影在肖像 化方面发挥了特别重要的作用.近年来智能手机和社交媒体的兴起,以快照和自拍的形式释放了前所未有的肖像流.面对这种情况,许多当代艺术家在一个技术和大众媒体无所不在的世界中强调身份的流动性.通过对肖像的多样化表达,“人类兴趣”展览中的艺术家再次提出那个颇具煽动性的问题：我们是谁,我们如何看待和纪念他人.
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